Die besten Filme auf Amazon Prime Video 2023

Amazon ist eine wimmelnde Streaming-Schatzkammer aus dir wir dir heute die besten Filme auf Prime Video 2023 vorstellen!

Auf Amazon Prime Video kann es sich als fast unmöglich erweisen, aus der manchmal überwältigenden Flut von seltsam schrecklichen Titeln, die in den unteren Regionen von Prime vergraben sind, eine gute Auswahl zu treffen.

Ganz zu schweigen von der kontraintuitiven, migräneauslösenden Suche oder der Vorliebe des Dienstes, einen Titel unerwartet fallen zu lassen, nur um ihn unter einem anderen Link ebenso unerwartet wieder auftauchen zu lassen.

Wer kann da noch den Überblick behalten? Nun, wir können es. Oder wir versuchen es zumindest, damit der nächste Heimkino-Abend gerettet ist. Die dafür nötigen Geräte findest du hier: Heimkino-Beamer Test.

Hier sind die 50 besten Filme, die derzeit auf Amazon Prime gestreamt werden:

Die besten Amazon Prime Video Filme 2023

Jeden Monat kommen und gehen Filme bei diesem Dienst, manchmal sind es Dutzende. Aber kein Grund zur Sorge: Es gibt jede Menge großartiger Filme, die darauf warten, ihren Platz einzunehmen… wir mussten sie nur ausgraben, indem wir uns mit Amazons notorisch schlechter Benutzeroberfläche herumschlugen.

Eine Nacht in Miami

Jahr: 2021
Regisseurin: Regina King
Stars: Kingsley Ben-Adir, Eli Goree, Aldis Hodge, Leslie Odom Jr
Bewertung: R
Laufzeit: 114 Minuten

Eine nüchterne Zusammenfassung von One Night in Miami klingt wie ein Film, der für Männer gedacht ist: Vier Männer, die in der Stadt unterwegs sind, keine Bindungen, die sie im Zaum halten, und eine Grenze für ihr abendliches Vergnügen, die sich in den Himmel erstreckt. Aber bei den vier Männern handelt es sich um Sam Cooke, Cassius Clay, Jim Brown und vor allem Malcolm X; die Stadt ist in Wirklichkeit die Magic City; und der besondere Abend ist der 25. Februar 1964, als der Schwergewichtsboxchampion Sonny Liston die Handschuhe mit Clay kreuzte und seinen Titel in einer Niederlage verlor.

Zu den Themen, die den Figuren über die Lippen kommen, gehören natürlich Boxen, Frauen und Krawall, aber auch andere, wichtigere Themen wie die Identität der schwarzen Amerikaner, die amerikanische Identität und wie diese beiden miteinander interagieren. Aber das beraubt One Night in Miami nicht der „Freude“-Klausel, nicht zuletzt dank der krachenden Leistungen einer Besetzung, die aus einer Reihe von außergewöhnlichen jungen Schauspielern besteht (Eli Goree, Leslie Odom Jr., Aldis Hodge, Kingsley Ben-Adir), und unter der Regie von Regina King in ihrem Spielfilmdebüt.

Ihre Adaption des Bühnenstücks von Kemp Powers ist ein historisches Dokument, das so geschrieben ist, dass man vermuten kann, welche Gespräche die beiden unter vier Augen und fernab von neugierigen Ohren geführt haben könnten, eine fesselnde Fiktion, die in der Realität wurzelt. Außerdem ist der Film äußerst unterhaltsam, witzig und überschwänglich. Dies ist kein Film über bedeutungsloses Geplänkel. Er handelt von Gesprächen, die wirklich wichtig sind.

Wolf der Wall Street

Jahr: 2013
Regisseur: Martin Scorsese
Stars: Leonardo DiCaprio, Jonah Hill, Margot Robbie, Matthew McConaughey, Kyle Chandler, Rob Reiner, Jon Favreau, Jean Dujardin, Jon Bernthal
Einstufung: R
Laufzeit: 180 Minuten

Das Jahrzehnt war sowohl freundlich als auch nicht so freundlich zum guten alten Marty. Zehn Jahre, in denen schlechte Kritiken seine Qualifikation als Regisseur von Silence in Frage gestellt haben, in denen er Marvel-Filmen den Ehrentitel „Kino“ verweigert hat und in denen er das Publikum nach der Vorführung von The Wolf of Wall Street zum Duschen in Massen gezwungen hat. Er ist immun gegen Kontroversen und gedeiht in lebhaften Debatten, weshalb sich seine Chronik über das Leben, die Zeiten und die Verbrechen von Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio) – einem Börsenmakler und eingefleischten Betrüger, der mehr als 1.000 Gauner, Trottel und Trottel um Milliarden betrogen hat (und mit heiler Haut davonkam) – mit 70 Jahren anfühlt wie das Werk eines halb so alten Regisseurs.

The Wolf of Wall Street ist ein wütender Film. Es ist auch ein geiler, perverser, brutaler, ein tadellos gemachter und im Grunde genommen abscheulicher Film. Bei jedem vorbeiziehenden Bild brennt Scorseses weißglühende Wut an den Rändern des Bildes. Der Regisseur hat seine eigenen Probleme und Konflikte mit seinem christlichen Glauben, aber hier ist seine Präsenz als wütende Gottheit zu spüren, die über den Spaß urteilt, den Belfort hat, wenn er seine Kunden bescheißt, seine erste Frau betrügt, seiner zweiten Frau einen runterholt und in drei Stunden mehr bläst als Scorsese selbst in den 70er und 80er Jahren.

Man kann diesem Film leicht vorwerfen, dass er die Finanz-Bro-Kultur, die er im Laufe seiner Laufzeit durchläuft, gutheißt, denn zu keinem Zeitpunkt zwingt Scorsese dem, was vor unseren Augen geschieht, eine fabrizierte Moral auf; stattdessen spielt er die Hits so, wie Belfort sie geschrieben hat, und zeigt dem Publikum genau, was Belfort getan hat, während er seine Firma, Stratton Oakmont, leitete und seine Ehefrauen betrog. Dass der Film schließlich damit endet, dass Belfort wieder auf Beutezug geht, ist die ultimative Anklage: Sein Reichtum ermöglichte es diesem Mann, mit einem finanziellen Mord davonzukommen, denn reich zu sein, macht schließlich alles besser. „Reich sein macht alles besser“ ist für manche die Philosophie des Films, aber The Wolf of Wall Street schätzt nicht die Zurschaustellung von Reichtum aus dem Gleichgewicht.

Er schmäht sie. Scorsese legt Energie in den Film, einen Frühling in jedem gierigen Schritt; man könnte solche Ausschweifungen ohne Konsequenzen eine „gute Zeit“ nennen. Aber The Wolf of Wall Street kümmert sich nicht so sehr um diese Art von Zeit, wie er sich darum kümmert, Belfort zum Trocknen aufzuhängen.

Superbad

Jahr: 2007
Regisseur: Greg Mottola
Stars: Jonah Hill, Michael Cera, Christopher Mintz-Plasse, Bill Hader, Seth Rogen, Martha MacIsaac, Emma Stone
Bewertung: R

Jede Generation von Teenagern hat ihre Generation von Teenagerfilmen, und Greg Mottolas Superbad ist der Inbegriff meiner Generation. In Seth (Jonah Hill) und Evan (Michael Cera) hatten meine Freunde und ich einen Spiegel für unsere eigene Unsicherheit und Unbeholfenheit – sie waren unsere modernen Anthony Michael Halls. Mit Fogell/McLovin (Christopher Mintz-Plasse) hatten wir eine Ikone des Schrägen, die irgendwie zum Gewinner wurde, eine Art Fotonegativ von Ferris Bueller (Matthew Broderick).

Und mit den ständigen Schwanzwitzen in Superbad (nach einem Drehbuch der Namensvettern Seth Rogen und Evan Goldberg) hatten wir eine akkurate Darstellung der Art und Weise, wie wir alle reden, Reife hin oder her. Der Film reiht sich ein in das Pantheon der Komödien aus der Mitte der 2000er Jahre – vor allem Anchorman und Step Brothers -, die eine Sprache der weißen Jugendlichen geschaffen haben, die ausschließlich aus unzüchtigen, absurden Anspielungen besteht. Superbad ist in vielerlei Hinsicht eine Liebeskomödie, aber im Gegensatz zu seinen Vorgängern ist es eine Romanze zwischen zwei Freunden, eine Geschichte, in der der angebliche Sexualtrieb zweitrangig ist gegenüber platonischen Bedürfnissen.

In den meisten Filmen von John Hughes aus den 80er Jahren geht es darum, dass eine Figur X eine andere Figur Y auf sich aufmerksam macht, damit Y sich unweigerlich in X verliebt. Egal, was Sixteen Candles und Pretty in Pink sonst noch zu sagen haben, ihr Endspiel bleibt, dass Molly Ringwald mit dem richtigen Good Guy zusammenkommt. Das Gleiche gilt für Amy Heckerlings ikonische Beiträge zum Genre, Fast Times at Ridgemont High und Clueless, und die literarischen Neuinterpretationen (Ten Things I Hate About You, et. al.), die in ihrem Kielwasser entstanden. In Superbad sind Seths und Evans Versionen des Good Guy nicht Jules (eine frühreife Emma Stone) und Becca (Martha MacIsaac): Sie sind einander.

In der Auflösung des Films, in der die beiden Hauptdarsteller eng aneinander gekuschelt in Schlafsäcken liegen, sagt Seth wörtlich: „Ich will einfach nur auf die Dächer gehen und schreien: ‚Ich liebe meinen besten Freund Evan.'“ Für Jungs im Teenageralter, die mit der Angst kämpfen, ihre Jungfräulichkeit zu verlieren, bietet Superbad eine willkommene Atempause, eine Bestätigung, dass es sinnlos ist, sein ganzes Leben auf seinen Schwanz zu konzentrieren, wenn man die ganze Zeit die Erfüllung an seiner Seite haben kann.

Der Nordmann

Erscheinungsdatum: April 22, 2022
Regisseur: Robert Eggers
Stars: Alexander Skarsgård, Nicole Kidman, Claes Bang, Anya Taylor-Joy, Ethan Hawke, Willem Dafoe, Björk
Bewertung: R
Laufzeit: 140 Minuten

Robert Eggers‘ The Northman ist eine exquisite Geschichte über gewalttätige Rache, die keine Gefangenen macht und in Flammen und Wut aufgeht. Der Film, den Eggers gemeinsam mit dem isländischen Dichter Sjón geschrieben hat (der kürzlich auch an A24s isländischem Kreaturenfilm Lamb mitgeschrieben hat), ist fesselnd und von der langjährigen Vorliebe des Regisseurs für historische Genauigkeit geprägt. Visuell atemberaubend und akribisch choreografiert, wird The Northman seinen epischen Erwartungen voll und ganz gerecht. Die Legende, die in The Northman erzählt wird, wirkt völlig neu und gleichzeitig sehr vertraut. König Aurvandill (Ethan Hawke) wird von seinem Bruder Fjölnir (Claes Bang) erschlagen, der seinerseits den Thron des verstorbenen Herrschers und Königin Gudrún (Nicole Kidman) für sich beansprucht.

Bevor er dem Brudermord erliegt, ernennt Aurvandill seinen jungen Sohn Amleth (Oscar Novak) zu seinem Nachfolger und macht ihn damit zur nächsten Zielscheibe für die Klinge seines Onkels. Amleth entgeht nur knapp der Gefangennahme und rudert in einem Holzboot über die kabbeligen Gewässer der irischen Küste, wobei er unter Tränen seine neue Lebensaufgabe singt: „Ich werde dich rächen, Vater. Ich werde dich retten, Mutter. Ich werde dich töten, Fjölnir.“ Jahre später hat sich Amleth (gespielt von einem muskulösen, aber unaufdringlichen Alexander Skarsgård) als rücksichtsloser Krieger einer Wikingersippe hervorgetan, der sich Bärenfelle anzieht und im Vollrausch eine Reihe von Dörfern plündert.

The Northman ist ein zugängliches, fesselndes Wikingerepos, in dem es von der widersprüchlichen Kraft menschlicher Brutalität und schicksalhafter Verbundenheit nur so wimmelt. Dennoch ist es erwähnenswert, dass der Film im Vergleich zu seinen vorangegangenen Werken deutlich weniger Eggers-like wirkt. Er verfügt über ein viel größeres Ensemble, was anscheinend auf Kosten von weniger ununterbrochenen Einstellungen und weniger atmosphärischem Grauen geht. Auch das Interesse des Filmemachers an den Volksmärchen Neuenglands ist nicht mehr vorhanden, obwohl The Northman die Faszination von Eggers für die Forstwirtschaft und die Gezeiten des Meeres aufgreift. The Northman vereint jedoch das Beste von Eggers‘ bewährtem Stil – beeindruckende Darbietungen, präzise historische Anhaltspunkte, hypnotisierende Folklore – mit dem neu entdeckten Versprechen mitreißender, ausgedehnter Actionsequenzen.

Das Ergebnis ist durchweg unterhaltsam, oft schockierend und von einem wissenschaftlichen Fokus durchdrungen. Es würde nicht überraschen, wenn dies vom Publikum als Eggers‘ endgültiges Werk angesehen würde. Für diejenigen, die bereits von den früheren Werken des Regisseurs begeistert sind, wird The Northman vielleicht nicht so aufschlussreich sein wie The Witch oder so dynamisch wie The Lighthouse. Was dem Film jedoch an Eggers‘ filmischen Idealen fehlt, macht er durch seinen unantastbaren Status als rasante und doch anspruchsvolle Rachegeschichte der Wikinger mehr als wett. The Northman ist völlig konkurrenzlos im Vergleich zu bestehenden Epen – und vielleicht sogar zu denen, die zweifellos noch kommen werden, wahrscheinlich inspiriert von der skrupellosen Vision eines Filmemachers in seinem besten Alter.

Ambulance

Erscheinungsdatum: April 8, 2022
Regisseur: Michael Bay
Stars: Yahya Abdul-Mateen II, Eiza González, Jake Gyllenhaal, Garret Dillahunt, Keir O’Donnell, Olivia Stambouliah, Jackson White, A Martinez, Cedric Sanders
Bewertung: R
Laufzeit: 136 Minuten

Wenn Ambulance, Michael Bays 15. Spielfilm, der sich derzeit in einer fröhlichen kritischen Aufarbeitung von Bays Kanon sonnt, sich so entelechial anfühlt wie Bad Boys II, dann kann das nur daran liegen, dass Bay sich in der absolut besten Zeit befindet, um Bay zu sein. Obwohl ein Ensemble von Angelenos den Film ausfüllt, während er zu so ziemlich dem einzigen Schluss kommt, den er haben könnte, ist Ambulance so aufgeräumt, wie ein Michael Bay-Film nur sein kann.

Innerhalb von zehn Minuten sind wir tief in Ambulance drin: Will Sharp (Yahya Abdul-Mateen II), der knapp bei Kasse ist, um die steigenden Arztrechnungen seiner Frau zu bezahlen, geschweige denn sich um den gemeinsamen kleinen Sohn zu kümmern, erklärt sich bereit, seinen Adoptivbruder Danny (Jake Gyllenhaal, immer wieder eine Freude) bei einem letzten großen Coup zu unterstützen: einem Bankraub, der zwangsläufig schief geht. Anschließend erschießen sie einen Polizisten (Jackson White) und beschlagnahmen den Krankenwagen des Cops, in dem auch die „beste“ Sanitäterin von L.A., Cam Thompson (Eiza González), sitzt – nur eine weitere verbitterte Seele in dem großen grauen Teppich, der die Stadt der Engel ist.

Während Danny die Kontrolle verliert und Will sich mehr und mehr mit seinem Schicksal als Nachkomme eines sagenumwobenen, bankräuberischen Psychopathen abfindet, von dem ihr Bankräuber-Vater in leisen Tönen und unglaublichen Geschichten spricht, stürzt sich die gesamte militarisierte Macht des LAPD auf den gestohlenen Krankenwagen, angeführt von Captain Monroe (Garret Dillahunt), einem Mann, der die Polizei so sehr verherrlicht, dass Bay es nicht muss. Selbst als sich FBI-Agent Clark (Keir O’Donnell) einmischt, wird er nur in Monroes inneren Kreis aufgenommen, weil er mit Danny aufs College ging.

In Bad Boys und dem Fiebertraum Bad Boys II geht es darum, dass Michael Bay der Meinung ist, dass Polizisten Psychopathen sein müssen, um einer modernen psychopathischen Welt begegnen zu können. In Ambulance umfasst seine Vision des LAPD eine ausgeklügelte Überwachung und weltvernichtende Artillerie, die es mit der militärischen Elite der US-Regierung aufnehmen kann. Regierung mithalten kann – und er sorgt dafür, dass das alles verdammt cool aussieht -, sorgt er auch dafür, dass er eine besonders zerstörerische Verfolgungsjagd (so wie er Martin Lawrence einmal das Geschehen auf dem Bildschirm für obligatorisch und nichts anderes erklären ließ) unter so vielen besonders zerstörerischen Verfolgungsjagden unterbricht, damit Monroes linke Hand, Lieutenant Dhazghig (Olivia Stambouliah), ihm sagt, wie viele Steuerdollar sie vernichten. Später sterben viele, viele Polizisten in Explosionen und Schießereien, überall liegen Leichen.

Man spürt in diesen Szenen eine gewisse Schadenfreude, als ob Bay Monroes Ablehnung so vieler schamlos missbrauchter Steuergelder damit kontert, dass er die halbe LAPD in die Luft jagt, in einem Spektakel, das geradezu nach Applaus verlangt. Vielleicht sieht Michael Bay nicht mehr den Nutzen darin, psychopathische Polizisten auf eine psychopathische Welt loszulassen, aber vielleicht hat er das auch nie getan. In Bays L.A. gibt es keine Seiten, keine Guten und keine Bösen, sondern nur eine Person, die die ganze Welt umbringt.

Tucker & Dale vs. Evil

Jahr: 2010
Regisseur: Eli Craig
Stars: Tyler Labine, Alan Tudyk, Katrina Bowden, Jesse Moss
Bewertung: R
Laufzeit: 89 Minuten

Seien wir ehrlich, Hinterwäldler und ihresgleichen haben in Filmen immer den Kürzeren gezogen, seit die Banjo-Musik in Deliverance von 1972 verklungen ist. Ob durch Strahlung (The Hills Have Eyes) oder einfach nur durch gute alte Inzucht (Wrong Turn und so viele andere Filme, von denen man besser nichts weiß), die Tölpel im Film haben es wirklich genossen, unschuldige Familien im Urlaub abzuschlachten, Reisende, denen es an grundlegenden Kartenkenntnissen mangelt, und, am besten, sexuell aktive College-Studenten, die einfach nur Spaß haben wollen.

Aber keine Angst, Mitglieder von Hillbillies for Inclusion, Consideration & Kindness in Screenplays (HICKS) – Autor/Regisseur Eli Craig steht hinter euch, die ihr keine Haare habt. Sein Film, Tucker & Dale vs. Evil, beantwortet die einfache Frage: Was wäre, wenn diese Hinterwäldler einfach nur sozial unbeholfene Kerle sind, die ein Ferienhaus auf Vordermann bringen, und die fraglichen jungen College-Kids einfach nur dazu neigen, immer wieder falsche, oft tödliche Schlüsse zu ziehen? Final Destination trifft auf die Darwin Awards.

Liebe & Freundschaft

Jahr: 2016
Regisseur: Whit Stillman
Stars: Kate Beckinsale, Chloe Sevigny, Xavier Samuel
Rating: PG
Laufzeit: 93 Minuten

Der Titel von Whit Stillmans neuester Komödie mag Liebe und Freundschaft lauten, aber während beides in diesem Film sicherlich vorhanden ist, gibt es auch andere, negativere Qualitäten: Täuschung, Manipulation, sogar offener Hass. Unter der eleganten Oberfläche des Historienfilms – am offensichtlichsten in Benjamin Esdraffos barocker Orchestermusik und Louise Matthews kunstvoller Regie – verbirgt sich ein düsteres Menschenbild, das dem Film mehr ironischen Schwung verleiht, als man vielleicht von Anfang an erwartet hätte. Dennoch ist der Humor in Love & Friendship kaum von der misanthropischen Sorte.

Wie immer bei Stillman ist sein Blick auf die Marotten des Bürgertums schonungslos, aber letztlich einfühlsam. Das bedeutet, dass der Film einen leicht bitteren Nachgeschmack hinterlässt, auch wenn Stillman auf eine Art Happy End hinarbeitet – und das ist wahrscheinlich auch gut so. Eine solche Ehrlichkeit war schon immer ein Markenzeichen von Stillmans Kino, und auch wenn sich Love & Friendship eher wie ein Konfekt anfühlt als seine anderen Filme, so bleibt diese Offenheit doch zum Glück erhalten.

A.I. Künstliche Intelligenz

Jahr: 2001
Regisseur: Steven Spielberg
Stars: Haley Joel Osment, Jude Law, Frances O’Connor, Brendan Gleeson, William Hurt
Bewertung: PG-13
Laufzeit: 146 Minuten

A.I. mag Spielbergs missverstandenes Meisterwerk sein, wie die vielen Kritiker beweisen, die auf seine vermeintlichen Schwächen hingewiesen haben, um dann zu einem neuen Verständnis seiner Größe zu gelangen – allen voran Roger Ebert, der den Film schließlich zehn Jahre nach seiner lauwarmen ersten Kritik in seine Liste der großen Filme aufnahm. A.I. stellt die perfekte Verschmelzung der Sensibilitäten von Spielberg und Stanley Kubrick dar – Kubrick soll mit Spielberg an der Geschichte gearbeitet haben, und Spielberg fühlte sich verpflichtet, sie nach Kubricks Tod zu Ende zu bringen -, was es dem Film ermöglicht, jeden ihrer schlimmsten Instinkte in Schach zu halten.

Er ist nicht so kalt und distanziert, wie Kubricks Filme zu sein pflegen, aber auch nicht so rührselig und manipulativ, wie es Spielbergs Filme werden können – und bevor das Ende als Beweis für Spielbergs Scheitern herangezogen wird, sei angemerkt, dass die düstere Coda des Films eigentlich Kubricks Idee war, der darauf bestand, dass das Ende nicht mehr als jede andere Szene manipuliert wird. Ein genauerer Blick auf die Themen des Films offenbart ein viel düstereres Ende – und nein, das sind keine „Aliens“.

Die versunkene Stadt Z

Jahr: 2017
Regisseur: James Gray
Stars: Charlie Hunnam, Robert Pattinson, Sienna Miller
Rating: PG-13
Laufzeit: 141 Minuten

The Lost City of Z von James Gray ist ein Anti-Periodenfilm. Ganz im Sinne von The Immigrant, Grays glorreichem letzten Film, ist Z fasziniert von seinem Milieu (dieses Mal beginnen wir jenseits des Atlantiks in Blighty, in der Zeit von 1906 bis 1925) und luxuriös mit historischen Details geschmückt – aber das strangulierte soziale Klima und die physisch klaustrophobischen Räume seiner angeblich hochentwickelten westlichen Gesellschaft lassen diese Umgebung völlig unsympathisch erscheinen.

Erst als wir den Amazonas erreichen, der nicht von westlicher Hand berührt wurde, entspannt sich der Film, seine betörende Musik und die Landschaft unter freiem Himmel werden einladend. Dort, in einem Land mit unkomplizierten Stämmen und gleichgültiger Wildnis, kann ein Mann wie der Soldat und Entdecker Major Percy Fawcett (Charlie Hunnam) Freiheit von der Engstirnigkeit finden, die das Großbritannien des frühen 20. Darius Khondjis Kinematographie ergänzt Grays Film nicht nur, sondern vertieft seine Bedeutung, indem sie die Anziehungskraft von Fawcetts Dschungel verstärkt, der unendlich grün und geheimnisvoll ist, während die Heimat in England trist und eintönig erscheint.

Jedes Bild ist üppig und neblig, immer mit der Sehnsucht nach einer verlorenen Ära, in der Abenteurer noch völlig unberührte Ecken der Erde finden konnten. (Gray mag wenig Liebe für das Empire zeigen, aber er stellt die koloniale Erkundung an sich als romantisches Abenteuer dar.) Der Film ist nicht sonderlich komplex, aber er ist tiefgründig. Wie Fawcett schmerzt er – wie seine Besessenheit, der Dschungel, umhüllt er ihn und zieht ihn in seinen Bann.